Otto Dix

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miércoles, 30 de octubre de 2013

Titania se despierta con un séquito de hadas, Henry Fuseli.

Titania se despierta con un séquito de hadas,
Henry Fuseli, (1804-1805)


            Titania, como reina de las hadas, personaje de una obra de William Shakespeare, Sueño de una noche de verano, en la que como tal, se despierta acompañada de su séquito de hadas y duendes mientras se abraza a su marido Oberón, rey de los elfos y las hadas, en la obra de Füslli..
            Shakespeare utilizó el nombre de  Titania, tomándolo del poema La Metamorfosis de Ovidio, donde se le da este apelativo a las hijas de un Titán. Goethe utilizó esa figura creada por Shakespeare para escribir su Fausto
            La gran influencia shakesperiana ha creado otros muchos personajes de ficción en las que este nombre se asocia siempre con el personaje de Reina de las hadas, aunque también con otros nombres como Mab o Maeva.


            Tatiana, la Reina de las hadas, abraza a su marido que posee una cabeza de asno, acompañada de un séquito de hadas y elfos, mientras rodean las tinieblas a todos los personajes que son criaturas oníricas, fantasmagóricas y sutiles, en una de esas pesadillas que centraban buena parte de la obra de Füssli, en las que mezclaba todos los ingredientes del prerromanticismo, movimiento del que fue precursor, sin dejar por ello de acompañar a esos personajes benéficos y fantásticos, los terrores nocturnos de una realidad que contrastaba con los productos de la fantasía del artista, creando por ello una obra en la que, como la que ilustra este comentario, se unen lo fantástico y lo grotesco, elementos que conforman toda la obra de este artista, precursor del expresionismo y surrealismo.
                La obra está fechada entre 1804 y 1805, y es un óleo, de 61x45 cms, y se haya en el Kunsthaus de Zürich.
   

¿Quién fué Henry Fuseli?

Henry Fuseli (autoretrato)
por Ana Alejandre

    Johann Heinrich Füssli, nombre verdadero de este artista nacido el 7 de febrero de 1741 en Zürich, hijo de un anticuario y pintor retratista, Johann Joachin Winckelmann, quien escribió una obra sobre pintura suiza, además de reunir un gran número de dibujos y grabados suizos de los siglos XVI y XVII.

     Un hermano de Johann Heinrich Füssli, Johann Kaspar Füssli, fue pintor y entomólogo, siguiendo en parte la tradición artística del padre. Sin embargo, Heinrich se inció en la literatura como expresión artística y  sólo a partir de 1764, ya instalado en Inglaterra,  se dedicó plenamente a la pintura, no considerándose en ningún momento un artista, sino un simple ilustrador de temas literarios, y en dicho país se le conoció como Henry Fuseli.

      Desde muy niño comenzó su actividad artística, ya que copió varios grabados de la colección personal de su padre, siendo estos obra de autores tan emblemáticos como Niklaus Manuel Deutsch y Urs Graf, entre otros. Sentía especial predilección por los temas más fuertes y expresivos, denotando algunos una gran violencia, con claroscuros muy acusados, figuras estilizadas y monumentales. Sin embargo, en la adolescencia cambió de temática, sintiendo preferencia por los temas macabros y grotesco, pero en ocasiones tenía un matiz satírico y casi caricaturesco, sin olvidar que en ocasiones ofrecía ciertos matices eróticos. Se evidenció, entonces, una dualidad en su obra, ya que por una parte le interesaba plasmar los temas eróticos y violentos; y, por otra, la sencillez y pureza, influido por Rousseau.

         Durante su juventud, en Zürich, se vinculó al Sturm und Drang, movimiento prerromántico que se mostraba contrario al racionalismo de la Ilustración, por lo que intentaba un regreso a la emoción y la fantasía y, por ende, a la  libre expresión de los sentimientos, y al dominio de los instintos y las pasiones humanas.

       Durante su infancia y adolescencia  se vio envuelto en el ambiente artístico que reinaba en la casa familiar, donde su padre celebraba reuniones con los fundadores suizos del movimiento prerromántico: Johann Jakob Bodmer y sus discípulos Johann Caspar Lavater que fue amigo de Füssli durante toda su vida  y quien tradujo El paraíso perdido de John Milton, obra que además de la traducción de Shakespeare al alemán  que realizó Wieland, supusieron una gran influencia en Füssli, por lo que que empezó a interesarse por la literatura inglesa, especialmente por autores como Shakespeare, Milton, Young y otros.


        La gran influencia ejercida por Bodmer marcó profundamente el estilo artístico de Füssli en cuanto al concepto de los poetas como genuinos transmisores de las emociones humanas, entre las que destaca la pasión y los sentimientos. Igualmente, admite la ambivalencia del arte tanto poético como plástico entre los binomios fundamentales de la emoción humana: alegría-tristeza, placer-dolor y amor-odio, afirmando que las obras fundamentadas en los principios prerrománticos tenían igual valor que las obras creadas bajo los principios racionales y clasicista del movimiento ilustrado

    Sólo se consolidó su estilo artístico hacia 1755, ya que en sus grabados fechados entre 1755-1757 se advierte un estilo que está a caballo entre el manierismo y el barroco, quizás influenciado por Durero, artista que unía genialmente la expresividad y el realismo más puro. Esa influencia del estilo manierista suizo, unido al ideario del Sturm und Drang, supuso el afianzamiento del estilo de Füssli.

     Estas influencias más la de una teología emocional, le marcaron hasta llegar a ejercer como pastor zwingliano durante un breve período de tiempo que se reflejan en algunas de sus obras.

     La influencia de Rousseau en cuanto a sus ideas de que la civilización significa la corrupción de la humanidad, le provocó un claro pesimismo que se manifestaba en una actitud trágica, lo que le inclinaba a tener igualmente una visión pesimista de la vida y la sociedad humana.

      Por haber escrito y publicado un panfleto contra el gobierno oligárquico de Zürich, se vió obligado a exiliarse en Alemania entre 1763 y 1764. En dicho país tuvo contacto con los escritores Friedrich Gottlieb Klopstock y Johann Joachim Spalding, además de escribir poemas en los que se advierte una fuerte influencia de Young, pero sin abandonar el dibujo, ya que realizó algunos sobre temas morales, en congruencia con sus ideas de esa época en la que defendía la utilidad moral del arte. Idea que se expresa en dos obras que dibujó en Barth, en la casa de campo de Spalding con quien mantenía un cierta amistad: Destino del hombre e Instrucciones para mis hijas. Estos y otros dibujos de dicha época están inspirados en Nicolas Poussin y William Hogarth, como reflejan otras obras suyas como Muerte de un húsar húngaro (1764).

      Por consejo del pintor inglés Joshua Reynolds, pasó varios años en Italia (desde 1770 a 1778). estudiando principalmente la obra de Miguel Ángel. En los años que vivió en dicho país, consiguió depurar su estilo, alcanzando el que sería el suyo definitivo que basó en el manierismo con matices clasicistas; pero más dramáticos que los de los pintores contemporáneos.

     En toda su obra se advierte su pàsión, fuerte emotividad y, por ello, la subjetivad, que son las notas de lo que se conoce como romanticismo,; pero llevando su propio estilo hacia lo irracional, lo que siempre le sedujo especialmente. Toda su obra tiene un carácter teatral, como se dice anteriormente, pero no sólo por los temas que trata, sino por el concepto plástico de la expresión de las emociones de los personajes de sus obras,por la composición de las figuras, huyendo siempre de la perspectiva renacentista. Por ello, la morfología de las figuras retratadas se apartan de los cánones que fija las leyes de anatomía y, con esa singularidad, crea nuevas criaturas dotadas de una gran fantasía plástica y armonía sensual.

      Se instaló en Inglaterra definitivamente en 1779, país en el que alcanzó la fama gracias a sus obras pictóricas de tema histórico que estaban dotadas de una gran expresividad, incluso melodramática en ocasiones. La fama conseguida le valió para ser elegido miembro de la royal Academy, en 1779, y nombrado conservador de dicha institución en 1784.

     A pesar de su estancia en Inglaterra donde consiguió fama y prestigio, Füssli representa un concepto del romanticismo profundamente alemán, por el mundo nocturno y morbosidad casi terrorífica, de una gran fantasía, en el que abundan apariciones, gestos y posturas excesivas, casi teatrales, y un sinfín de efectos expresivos que coinciden con los del "romanticismo oscuro" de Novalis, Hölderlin, Hoffmann y Jean Paul. Todas estas características de su obra hacen de Füssli un artista fundamental en la transición entre el neoclasicismo y el romanticismo, convirtiéndolo en uno de los pintores que fueron los primeros en el estudio y plasmación de lo irracional, por lo que muchos estudiosos lo comparan con Goya.

    Una de las obras que ilustra mejor esta tendencia artística en Füssli es La pesadilla, -de la que existen dos versiones, una de 1781, que se encuentra en el Instituto de Arte de Detroit; y otra, de 1790, que está en el Goethemuseum, en Frankfurt-, en la que aparece una joven vestida con ropaje sensual, acostada en un lecho y sufriendo una pesadilla en la que aparecen personajes horribles como son un demonio, un gnomo y la cabeza de un caballo con ojos como carbones encendidos.

    Aunque su estilo artístico no ha podido ser clasificado de forma rigurosa, en él se encuentran influencias neoclásicas, neomanieristas y prerrománticas, ya que en sus obras se unen dichas  tendencias artísticas con otras de tradición manierista y con origen en la pìntura inglesa y nórdica, por lo que su estilo es ecléctico. En todas sus pinturas se advierte claramente un concepto de lo sublime que se encuentra en el arte y la literatura inglesa del siglo XVIII, país donde vivió hasta su muerte y alcanzó la fama y el prestigio artístico que le reconocieron las sucesivas generaciones de pintores. Füssli ejerció una importante influencia en los artistas románticos, especialmente en la figura del poeta y pintor inglés William Blake.

    A pesar de ello, después de su muerte, acaecida en en Putney Hill, Londres, el 16 de abril de 1825, su obra cayó en cierto olvido, aunque fue reivindicada por los expresionistas y surrealistas que lo tuvieron siempre como un precursor.

         
     

jueves, 31 de enero de 2013

Treinta y cinco cabezas con expresión,de Louis-Leopold Boilly



Treinta y cinco cabezas con expresión (sátira) (1823-1828), de Louis-Leopold Boilly

por Ana Alejandre
Esta obra de Louis-L'eopold Boilly (5 julio 1761-4 enero 1845),  titulada Treinta y cinco cabezas con expresión (sátira) (1823-1828) es una obra en la que su autor quiere reflejar de forma grotesca, lo que viene a ser la exageración de lo feo, ridículo, desagradable, obsceno o estrambótico que en el ser humano existe y exteriorizaa través de sus expresiones, como fiel reflejo de su psicología en la que se manifiestan las bajas pasiones, las emociones que se  ven en los diferentes rostros contraídos por gestos en los que aparecen reflejadas la codicia, la lujuria, el odio, la envidia, la ira, el desdén o la burla,  lo que le convierte en una obra en la que se condensa la hábil maestría de Boilly para reflejar en las facciones de los treinta cinco personajes retratados todo el abanico de expresiones humanas en las que se manifiestan todo aquello que desde la psique sale al exterior en forma de gestos en los que parece retratarse a la perfección el alma humana.
            Esta obra satírica-grotesca está pintada al óleo con colores claros y oscuros, pero sin el tenebrismo de otras obras que también presentan notas grotescas, porque en ellas la luz juega un papel predominante, quizás buscada por el artista para poder hacer más patentes las facciones en las que los gestos manifiestan todo su poder expresivo y sugeridor.


¿Quién era Louis-Leopold Boilly?

Louis-Leopold Boilly

Pintor y dibujante (5 julio 1761-4 enero 1845),   nacido en La Bassée, en el norte de Francia,  hijo de un  modesto escultor en madera local. Su afición por la pintura comienza desde muy joven y produjo sus primeras obras con doce o trece años. Estudió en su adolescencia pintura en provincias, ya que el obispo de Arras le invitó a estudiar y trabajar en su Obispado, impresionado por las obras del joven artista que le habían mostrado unos frailes agustinos. Allí produjo más de trescientas obras, en su mayoría retratos, y recibió enseñanza de pintura al óleo de Dominique Doncre (1743-1820), antes de trasladarse a París, alrededor de 1787, pero no sin antes comprobar la posible comercialización de sus  pinturas en las que reflejaba  escenas de género (costumbrismo). Comenzó pintando escenas con imágenes que reflejaban el lado más lúdico, pícaro, travieso y, algunas, de un cierto erotismo que eran muy populares y demandadas por el público. Esto le valió, en 1794,  en pleno Reinado del Terror, una acusación de obscenidad por una pintura erótica y fue juzgado por el Comité de Seguridad Pública que le supuso  la amenaza de prisión y multas muy cuantiosas, aunque le salvó de tan graves sanciones penales  el descubrimiento que se hizo en su hogar de su obra de carácter tan patriótico como es Triunfo de Marat  (actualmente en el Museo de Bellas Artes, Lille )
            Por su capacidad de observación y crítica de la sociedad de su tiempo, especialmente de los franceses de clase media, se centró en realizar obras que expresaban las costumbres sociales de su época, es decir, de los parisinos en cualquiera de sus actividades, tanto privadas como públicas, que llevaba cualquier ciudadano medio: paseos, en la mesa de juego, en el salón, etc. Tenía especial cuidado en estudiar y representar los detalles faciales, los gestos que denotaban las distintas psicologías y temperamentos. Además, prestaba especial atención a describir la moda, tanto en el diseño de trajes y vestidos, como en la minuciosa y exacta recreación de los tejidos en sus diferentes texturas, por lo que sus obras son como un catálogo de la moda parisina de su época.
            Sin embargo, a pesar de la exacta recreación que hacía de            todo aquello que retrataba, en sus obras, tanto dibujos como pinturas, se manifiesta su agudo sentido del humor, de la sátira como crítica social, en un ingenioso y constante ejercicio de análisis y exposición de la sociedad en la que vivía, ya que su vida abarcó sucesos históricos tan importantes como los que provocaron las diversas etapas de la Francia monárquica ,la Revolución Francesa , el Imperio Napoleónico, la Restauración borbónica y la Monarquía de Julio .
            Si en sus primeras obras se mostraba interesado por los temas amorosos y también moralizantes, de lo que es un ejemplo Regalo del pretendiente, que es un ejemplo de su producción en la década de 1790. Su estilo de entonces parecían estar inspirados en los pintores de género holandeses del siglo XVII, como son Willem van Mieris y Gerard ter Borch (1617-1681) o Gabriel Metsu (1629-1667), de cuya obra Boilly tenía una importante colección.
            A partir de 1794 se decantó hacía obras en las que había una gran pluralidad de personajes, a modo  de crónica social, aunque también seguía pintando retratos de personas de la clase media y de algunos contemporáneos famosos, por sus excelentes dotes de retratista que le valieron el respeto y la admiración de sus coetáneos..
            En vida recibió muchas distinciones, entre las que destacan la medalla  por Salón parisino, en 1804, otorgado por su obra La llegada de un coche-correo en el Patio de las Messageries. Además, le fue concedida la más alta distinción francesa, en 1833, como es  la Legión de Honor.
            Boilly falleció en Paris el 4 de enero de 1845.